Publikumserfolg

An den ersten drei Spieltagen des Animationsfilms in Japan spielte Suzume no Tojimari einen Betrag von 1,88 Milliarden Yen an verkauften Tickets ein und wurde so zu Shinkais erfolgreichstem Filmstart. Bis April 2023 spielte der Film 221 Millionen Dollar ein, davon 14 Milliarden Yen (109 Millionen Dollar) in Japan. Auch in China war der Film mit 82 Millionen Dollar in 10 Tagen nach Start erfolgreicher als Your Name und wurde der bestbesuchte japanische Film in China überhaupt. In Südkorea stand Suzume vier Wochen an der Spitze der Kinocharts, spielte 30 Millionen Dollar ein und wurde damit ebenfalls erfolgreicher als Your Name.

Nominierungen und Auszeichnungen

Suzume no Tojimari erhielt 2023 eine Einladung in den Wettbewerb um den Goldenen Bären, den Hauptpreis der Berlinale. Ebenfalls nominiert war der Anime bei mehreren Preisen in Japan: dem Hochi-Filmpreis und dem Mainichi Eiga Concours in zwei Kategorien. Auch beim Japanese Academy Award war der Film in zwei Kategorien nominiert und erhielt den Preis für die beste Musik.

Internationale Kritiken

Der Anime erfreut sich ausgesprochen positiver Kritiken. Bei Anime News Network wird er folgendermaßen charakterisiert: „Insgesamt ist Suzume no Tojimari ein fantastischer Film. Die Geschichte hat sehr gute Charaktere und zielt darauf, einen zum Lachen und Weinen zu bringen. Thematisch handelt es sich um eine fundierte Erkundung, sich mit dem Verlust abzufinden und zu lernen, zu anderen Menschen Verbindungen aufzubauen. Die visuellen Effekte sind beeindruckend und sie haben die Musik, die dazu passt“ („All in all, Suzume no Tojimari is a fantastic movie. The story has great characters and is laser targeted to make you laugh and cry. Thematically, it is a solid exploration of coming to terms with loss and learning to let people in. The visuals are stunning, and it has the music to match.“). Noah Oskow nannte den Anime „einen der aufregendsten Animefilme, die ich in den letzten Jahren gesehen habe“. Jedoch wird bei Timeout auch darauf hingewiesen, dass Suzume neben der atemberaubenden Schönheit der Bilder inhaltlich die gleiche, nur neu aufbereitete Formel wie Shinkais vorherige Filme präsentiert. Und die Geschichte hinter den magischen Türen würde nie wirklich aufgeklärt, sie dienten nur dem Fortgang der Handlung. Dennoch und trotz ärgerlich störender Produktplatzierung von McDonald’s sei der Film beeindruckend.

Deutschsprachige Kritiken

Kritiken aus dem deutschsprachigen Raum loben einhellig die Bildgewalt des Films und dessen Liebe zum Detail. Es „dominieren Pastelltöne, die Infrastruktur wie Zugstrecken und die Bauten in den Städten mit der Küstenlandschaft verschmelzen lassen“, so die TAZ, und der NDR nennt Animation, die mit Licht und Schatten spielen, „mit Dunkel und Hell, mit intensiven Farben“. In der FAZ wird auf die Arbeitsweise Shinkais eingegangen: „Er lässt bei Fotovorlagen einerseits Details übermalen, die bloß vorgefundene Natur statuieren, und andererseits Lichtreflexe ergänzen, um Blickarchitekturen zu bauen, als wollte er der Aufmerksamkeit gastfreundlich Obdach gewähren – ohne übertriebene Fülle allerdings, spartanisch, klar. Technik ist ihm stets Zündvorrichtung für Seelisches“. Dennoch finde auch profanes, anders als in den meisten Filmen, in diesem Anime Platz. Shinkai schätze „realistische, sogar naturalistische Momente und nimmt dafür in Kauf, dass vieles, was er zeigt, kaum durch seine Autorenpersönlichkeit gefiltert scheint. Er spielt sozusagen Jazz an sich“ und es „werden selbst Requisiten tiefenlaunisch“. Am Inhalt werden die „inspirierende Botschaft über Freundschaft, Zusammenhalt und Durchhaltevermögen“ und „Fantasiereichtum, […] Unterhaltsamkeit und Emotionalität“ gelobt. Es sei ein „fesselndes Roadmovie über Verlust, Trauer, Mut und jugendliche Selbstfindung, das zu keiner Sekunde langweilt“, so die Aachener Zeitung. „Bis zum positiv-tränenreichen Ende werden die grandiosen Bilder von einem Potpourri aus Bigband-Sounds, großem Orchester und japanischen Schlagern unterlegt“. „Die Portale sind an verlassenen Orten, an denen schon vorher Naturkatastrophen stattfanden, und das nicht nur als übliche Standardtüren, sondern auch als obskure Riesenrad-Kabinen oder im Untergrund. Durch diese Vergänglichkeit des Seins wird ein morbider Charme der Lost Places spürbar“, schreibt Marcel Kober vom deadline Magazin. „Was passiert, wenn man hinter die Tür sieht? Man blickt in eine Anderswelt“.

Auf die Themen gehen viele Kritiken stärker ein: Der NDR nennt Verlustbewältigung und besonders die Behandlung des Tōhoku-Erdbebens 2011, verweist auch auf die atomare Katastrophe in Fukushima und ihre Folgen. Zehn Jahre nach der Katastrophe traue sich Shinkai, „ganz offen von den Wunden der japanischen Gesellschaft“ zu erzählen. Und der „emotionale Kern der Geschichte ist der traumatische Verlust der Mutter“ durch das Erdbeben. „"Suzume" vereint Fantasy mit der klassischen Coming-of-Age-Geschichte, Verlustbewältigung mit Traumaaufarbeitung. Ein Film, der selbst wie eine Naturgewalt daherkommt“. Laut Taz sei die Handlung schlicht, aber die kluge Kombination von Coming-of-Age und Roadmovie „mit Elementen der Mythologie elegant und überraschend“. Doch die Dialoge lassen „einem in ihrer Belanglosigkeit schaudern“ und „folgen strikten Genderklischees“, die „fest betoniert sind“. Auch Magdalena Pulz verweist in der SZ auf die kollektiven japanischen Traumata, in die der Film reise. „Es ist dieser Schmerz, die Angst vor der Natur, die Makoto Shinkai in seinen Animefilmen immer wieder erkundet“ und der nun erstmals konkret den Fukushima-Tsunami berühre. In den Schlussbildern der Anderswelt mit der brennenden Stadt erkennt Pulz auch einen Verweis auf Hiroshima und Nagasaki. Dabei werde das Thema mit einer Leichtigkeit angegangen, die dafür dringend gebraucht werde. Dazu trage bei, dass die Dialoge eine heitere Unschuld verströmten und die Geschichte „auch die kleinen Katastrophen und Ablenkungen im Leben eines jungen Menschen ernst“ nimmt. Zur Abwechslung brauche in Suzume der „männliche Held, bestimmt dazu, das Land zu retten, […] die Hilfe einer Siebzehnjährigen“. Der Film sei „ein ehrgeiziges Unterfangen – und es gelingt ihm nicht immer, die zahlreichen Motive und Anspielungsebenen, die unterschiedlichen Tonlagen des Märchen- und des Genrefilms zu einem harmonischen Bild zu verbinden: sprechende Möbel, sprechende Tiere, ein "Sailor Moon"-artiger Glitzerschlüssel, eine wurmartige Gottheit und immer wieder japanische Schlager“. „In dieser Gleichzeitigkeit besteht hier die Kunst: eine junge Frau, die mit Tod und Verlust ringt, und nebenher immer mal wieder mit einem sprechenden Stuhl flirtet“. In der Frankfurter Rundschau widmete sich Daniel Kothenschulte dem „episch-romantische[n] Monumentalgemälde, das noch einmal jenem schrecklichen Erdbeben nachspürt, für das auf der Welt der Name Fukushima steht“. Statt sie nachzubilden, nehme Shinkai den Nachhall der Katastrophe auf: „ein Gefühl einer noch immer brüchigen, nicht verheilten Welt“. Darüber hinaus nennt Kothenschulte diverse Anspielungen und Verweise: Der dreibeinige Kinderstuhl kam bereits im Kurzfilm Paulette’s Chair von Hiroyasu Ishida 2014 sehr ähnlich vor. Unter mehreren „Verbeugungen vor dem Großmeister [Hayao Miyazaki]“ ist „besonders prominent ist eine Hommage an dessen“ Kiki’s Delivery Service in Form eines eingespielten Liedes. „Leider legen sich all diese Elemente aus zweiter Hand vor das tragende große Stimmungsbild, und wiederkehrende Situationen rund um die Suche nach den Türen führen in eine Art Episoden-Dramaturgie“, man sei im Anime und auch bei Shinkai schon deutlich weiter gewesen. „Seine größte Qualität hat dieser Film nicht in den durchaus liebenswerten Details, sondern in einer allgemeingültigen, hoch emotionalen Metaphorik, die es erlaubt, zwei große Themen in einem zu verhandeln. Zum einen ist da jene besonders unter Jugendlichen erlebte Vereinsamung während der Corona-Lockdowns, die noch immer nachwirkt. Zum anderen jene tiefe, existenzielle Verunsicherung, die mit dem Klimawandel einhergeht“. In der FAZ sieht Dietmar Dath in Suzume auch einen Rückblick und eine Überprüfung Shinkais auf ein früheres Schaffen, nachdem er aus dem Kompositionsprinzip von Your Name „eine wiederholbare Formel“ gemacht hat „und damit den von vielen geliebten Film einfach noch einmal zu drehen, weil’s so schön war“. Dennoch emanzipiere sich der Film von seinen Vorgängern ein Stück weit durch seine Titelheldin, die im Fokus steht und auf ihrer Reise „neue Bekanntschaften (vor allem mit Frauen verschiedensten Alters und Temperaments) schließen und neue Lebensweisen kennenlernen kann“. „Herzensbildung ist bei Makoto Shinkai eine Art Gesellschaftswissen, man erwirbt das unter Leuten. Tiere und andere Maskottchen liefern Fußnoten dazu; Daijin zum Beispiel lehrt in „Suzume“ die anderen Figuren, dass unbedingtes Geliebtwerdenwollen keineswegs von eigener Liebesfähigkeit zeugt, sondern geradezu deren Gegenteil maskieren kann“. Und durch alle Lektionen schimmere das schwere Thema des Films, „der den zerstörerischen Kräften des Verschwindens und Vergessens entgegentritt“: „Was schulden die Lebendigen den Toten?“ Die an den Türen zu hörenden „Stimmen der Vergangenheit“, als „akustische Schemen“, „sind der Schlüssel zur poetischen Ethik der Versöhnung mit dem Verschwinden, die „Suzume“ formuliert“. So sei die Suzumes Lektion: „Wer die Toten nicht ehren und betrauern kann, fällt schon zu Lebzeiten unter sie.“