Kindheit und Schulzeit

Alberto Giacometti kam in Borgonovo, einem Bergdorf im Bergell, nahe Stampa im Kanton Graubünden, als erstes von vier Kindern des post-impressionistischen Malers Giovanni Giacometti und dessen Frau Annetta Giacometti-Stampa (1871–1964) zur Welt. Es folgten seine Geschwister Diego (1902–1985), Ottilia (1904–1937) und Bruno (1907–2012). Im Spätherbst 1903 zogen die Giacomettis nach Stampa in das Gasthaus «Piz Duan», das in Familienbesitz war und seit dem Tod des Grossvaters Alberto Giacometti (1834–1933) von dessen Bruder Otto Giacometti geführt wurde. Das Gasthaus wurde nach dem nahe gelegenen Berg Piz Duan benannt. In einem schräg gegenüber dem Gasthof gelegenen Haus bezog die Familie 1906 eine Wohnung, die in den folgenden sechzig Jahren den Familienmittelpunkt bildete. Giovanni Giacometti baute die nebenstehende Scheune zum Atelier aus. Die Familie hatte ab 1910 durch eine Erbschaft in Capolago, Maloja, ein Sommerhaus mit Atelier am Silsersee, das ihnen zur zweiten Heimat wurde. Dort war auch Albertos Cousin Zaccaria Giacometti, der spätere Staatsrechtsprofessor und Rektor der Universität Zürich, oft zu Besuch.

Neben seiner Muttersprache Italienisch sprach Alberto Giacometti Deutsch, Französisch und Englisch. Sein Vater brachte ihm das Zeichnen und Modellieren bei. Sein Onkel Augusto Giacometti war mit abstrakten Kompositionen am Zürcher Dada-Kreis beteiligt. Bruder Diego wurde ebenfalls Bildhauer sowie Möbel- und Objektgestalter, und Bruno wurde Architekt. Giacomettis Patenonkel war der Schweizer Maler Cuno Amiet, der ein enger Freund seines Vaters war.

Im Jahr 1913 führte Giacometti seine erste exakte Zeichnung, nach Albrecht Dürers Kupferstich Ritter, Tod und Teufel, aus und malte sein erstes Ölbild, ein Apfelstillleben auf einem Klapptisch. Ende 1914 entstanden seine ersten Skulpturen, die Köpfe der Brüder Diego und Bruno in Plastilin. Im August 1915 begann Giacometti eine Schulausbildung an der Evangelischen Mittelschule in Schiers. Aufgrund der überdurchschnittlichen Leistungen und künstlerischen Fertigkeiten wurde ihm ein eigenes Zimmer gewährt, das er als Atelier einrichten durfte.

Ausbildung

Das Frühjahr und den Sommer 1919 verbrachte Giacometti in Stampa und Maloja, wo er sich ständig mit Zeichnungen und divisionistischer Malerei beschäftigte. Der Entschluss, Künstler zu werden, war getroffen, sodass er nach vier Jahren seine Schulausbildung vor der Matura abbrach und ab Herbst 1919 in Genf mit einem Kunststudium begann. An der École des Beaux-Arts lernte er die Malerei und an der École des Arts et Métiers die Bildhauerei und das Zeichnen. Im Jahr 1920 begleitete Giacometti seinen Vater, der Mitglied der Eidgenössischen Kunstkommission an der Biennale in Venedig war, nach Venedig, wo ihn die Werke von Alexander Archipenko und Paul Cézanne beeindruckten. In der Lagunenstadt faszinierten ihn die Werke von Tintoretto und in Padua Giottos Fresken in der Cappella degli Scrovegni.

1921 machte er eine Studienreise durch Italien und hielt sich dort zunächst in Rom bei Verwandten seiner Familie auf. Hier besuchte er die Museen und Kirchen der Stadt, füllte Skizzenbücher mit Zeichnungen nach Mosaiken, Gemälden und Skulpturen, besuchte Opern und Konzerte und las unter anderem Schriften von Sophokles und Oscar Wilde, die ihn zu Zeichnungen anregten. Er verliebte sich unglücklich in seine Cousine Bianca; die Arbeiten an ihrer Büste stellten ihn nicht zufrieden. Ab Anfang April besuchte er Neapel, Paestum und Pompeji. In Madonna di Campiglio starb im September sein 61-jähriger Reisebegleiter Pieter van Meurs plötzlich an Herzversagen. Giacometti kehrte daraufhin über Venedig nach Stampa zurück.

Leben und Arbeiten in Paris

Alberto Giacometti-Stiftung

Noch zu Lebzeiten des Künstlers wurde 1965 die Alberto Giacometti-Stiftung aus privaten und öffentlichen Mitteln von einer Gruppe von Kunstfreunden um Hans C. Bechtler und dem Schweizer Galeristen Ernst Beyeler in Zürich gegründet, die die Giacometti-Bestände des Pittsburger Industriellen David Thompson erwarben. Thompson besass zahlreiche wichtige Skulpturen aus der avantgardistischen Periode von 1925 bis 1934 und Exemplare der meisten Hauptwerke von 1947 bis 1950, den schöpferischsten Phasen Giacomettis. Der Künstler selbst ergänzte das spätere Werk durch eine Gruppe von Zeichnungen und etliche Gemälde. 2006 schenkten enge Freunde von Hans C. Bechtler, Bruno und Odette Giacometti aus dem Nachlass Alberto Gaicomettis der Stiftung 75 Gipse und 15 Bronzen.

Heute besitzt die Stiftung 170 Skulpturen, 20 Gemälde, 80 Zeichnungen, 23 Skizzenhefte, 39 Bücher mit Randzeichnungen und Druckgrafik. Dieser Bestand umfasst das Lebenswerk Alberto Giacomettis von seinen frühesten bis zu den letzten Werken in allen wesentlichen Aspekten und zahlreichen, überraschenden Facetten.

Die Sammlung der Alberto Giacometti-Stiftung wird zum grossen Teil im Kunsthaus Zürich aufbewahrt und in der ständigen Schausammlung präsentiert. Hier ist auch die Verwaltung und die Dokumentation domiziliert. Ein Viertel des ursprünglichen Bestandes wird im Kunstmuseum Basel und zehn Prozent im Kunstmuseum Winterthur gezeigt.

Fondation Giacometti

Eine weitere Stiftung, die Fondation Alberto et Annette Giacometti in Paris, kam nur mit Mühe zustande. Annette Giacometti starb im Jahr 1993 in einer psychiatrischen Klinik an Krebs. Sie hinterliess 700 Werke ihres Mannes und Archivmaterial im Wert von 150 Millionen Euro. Annettes Bruder und Vormund Michael Arm bestritt die Gültigkeit ihres Testaments von 1990, in dem sie verfügt hatte, dass der grösste Teil des Giacometti-Vermögens zur Gründung der Fondation Alberto et Annette Giacometti dienen solle. Weitere Probleme ergaben sich durch die Weigerung des Vereins Giacometti, den die Witwe 1989 als Vorstufe für die Stiftung gegründet hatte, sich aufzulösen und Stiftungskapital frei zu geben. Die geplante Fondation musste gegen den Verein Giacometti klagen. Die folgenden Auseinandersetzungen erforderten hohe Summen an Kapital, die durch Versteigerungen von Giacomettis Werken erbracht werden mussten.

Per Dekret vom 10. Dezember 2003 beendete der damalige französische Premierminister die Querelen, so dass die Fondation Alberto et Annette Giacometti anschliessend ins Leben gerufen werden konnte.

Die Fondation gründete zusammen mit den anderen Rechteinhabern – Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich und die Erben von Silvio Berthoud (die Streitgenossen Berthoud) – im April 2004 das Comité Giacometti, das gegen Fälschungen vorgeht, Expertisen ausstellt und Reproduktionsgenehmigungen erteilt. Im Jahr 2011 stiftete sie den Prix Annette Giacometti zur Wahrung des Urheberrechts für Kunstwerke und Künstler. Heute betreibt die Fondation Giacometti mit ihrem Institut Giacometti ein Forschungszentrum mit Ausstellungen, Kolloquien, einer Schule, Stipendien und Publikationen.

Sammlungen

Die umfangreichsten Sammlungen der Werke Giacomettis sind heute im Kunsthaus Zürich und in der Fondation Beyeler in Riehen als Leihgabe der Alberto Giacometti-Stiftung sowie in der Fondation Alberto et Annette Giacometti in Paris zu sehen. Letztere besitzt vor allem Gegenstände aus Giacomettis Atelier, darunter Wandteile, Möbel und Bücher. Weitere bedeutende Sammlungen befinden sich im Museum of Modern Art in New York, im Louisiana-Museum in Dänemark und in der Fondation Maeght in Saint-Paul-de-Vence. Einen guten Überblick über Giacomettis druckgrafisches Œuvre bietet die Sammlung Carlos Gross in Sent.

Zeichnungen, Gemälde und Lithografien

Giacomettis kindliche Malerei Stillleben mit Äpfeln von 1913 zeigt den divisionistischen Stil, der für seinen Vater Giovanni charakteristisch war. Während der Vater um Vereinheitlichung und Belebung der Fläche bemüht war, sah der Sohn indes auf den Gegenstand und dessen Körperhaftigkeit. Nach den malerischen Anfängen im Elternhaus und in der Schule in Schiers setzte er die Malerei während seines Studiums in Genf ab 1919 fort. Um 1925 verdrängte die Hinwendung zur Bildhauerei in Paris die Malerei nahezu völlig. Die Porträts des Vaters aus den Jahren 1930 und 1932, drei Gemälde 1937, darunter Pomme sur le buffet (Apfel auf dem Buffet) und ein Porträt der Mutter, sowie ein Frauenporträt 1944 blieben Ausnahmen. Die Bilder aus dem Jahr 1937, die nach dem Bruch mit den Surrealisten entstanden, unterscheiden sich stilistisch von seinem früheren Werk und gelten heute als Beginn seiner reifen Malerei.

Während der Kriegsjahre in der Schweiz nahm das Zeichnen einen grossen Raum in Giacomettis künstlerischer Betätigung ein. Er kopierte zum Beispiel Cézanne nach Reproduktionen aus Büchern. Diese Zeichnungen dienten ihm dazu, die Werke früherer Künstler und Kulturen zu studieren und sein Verhältnis zu ihnen zu klären, da er sein Werk in deren Fortsetzung verstand. Denn in seinen Kopien analysierte er die Vorlagen nicht hinsichtlich ihrer ursprünglichen Funktion oder kunsthistorischen Bedeutung, vielmehr interessierten ihn deren Struktur und Komposition. Bleistiftzeichnungen aus den Jahren 1946/47 von Personen, die sich im Aussenraum bewegen, dokumentieren Giacomettis neue Figurenauffassung. Als langgestreckte, weit ausschreitende Strichfiguren finden sie in der Folge ihre Umsetzung in seiner Plastik und begründen den sogenannten «Giacometti-Stil», bei dem sich der Bildhauer der phänomenologischen Wahrnehmung der Figuren im Raum annahm. Da jeder Gegenstand Raum um sich hat und immer aus einer gewissen Distanz betrachtet werden muss, wird zwangsläufig das Gesichtsfeld mehr vertikal als horizontal belegt, wodurch zum Teil die Dünnheit seiner Figuren zu erklären ist.

Giacomettis malerisches und zeichnerisches Werk nach 1946 behandelt vor allem Porträtköpfe und die menschliche Gestalt, die ihn zu immer neuen Metamorphosen anregte. Die perspektivisch entrückten winzigen Büsten auf den grossen Sockeln (1938 bis 1945) verweisen auf den künstlerischen Blick des Zeichners und Malers. Die «wie Zeichen im Raum stehenden Stabgestalten» (ab 1947) werden auf dem Bildträger oft mit «malerischen Raumgehäusen» versehen, in denen die «porträtierten Personen als ektoplastische», das heisst von ausserhalb plastizierte, «oder gespiegelte Körper erscheinen». Die Gemälde Giacomettis zeigen eine reduzierte Farbpalette aus Grau-Violett über ein Rosé-Gelb bis hin zu einem Schwarz-Weiss, die auf der Leinwand «gedämpft zusammenklingen.»

Das malerische Werk lässt sich in die Phasen 1946 bis 1956 und in die darauffolgenden Jahre bis zu seinem Tod 1966 einteilen. Thematik und Malstil seiner Bilder sind gleichbleibend: frontale Abbildungen seiner Frau Annette, seines Bruders Diego, seiner Mutter sowie die seiner Freunde und in den letzten Jahren die seiner Geliebten Caroline; Landschaften, Ansichten seines Ateliers oder Stillleben sind gelegentliche Sujets. Variiert wird der Hintergrund. So zeigen Arbeiten aus der ersten Phase eine dargestellte Figur oder ein Objekt in einem weiten, klar erkennbaren Umfeld, das beispielsweise als Giacomettis Atelier identifiziert werden kann, während in der zweiten Phase das zentrale Motiv die Komposition beherrscht und ein Umfeld nur andeutungsweise erkennbar ist.

Ein Anlass für lithografische Arbeiten war 1951 Giacomettis erste Ausstellung in der Galerie Maeght, die im Juni und Juli stattfand. Er schuf Illustrationen für die Galeriezeitschrift Maeghts, Derrière le miroir, die die Ausstellung begleitete. Die Themen der Illustrationen waren Atelier-Darstellungen. Die ab 1953 entstandenen zahlreichen Radierungen und Lithografien greifen «das Thema der menschlichen Gestalt als Bezugsachse der Durchdringung der Raumdimensionen auf, das sein skulpturales Werk charakterisiert» und «in Konfrontation mit den Zeichen der Raumperspektive moduliert.» Giacomettis wichtigstes lithografisches Werk ist das Mappenwerk Paris sans fin mit 150 Lithografien, sie erinnern an die Orte und Personen in Paris, die ihm wichtig waren. Paris sans fin wurde 1969 postum von seinem Freund, dem Kunstkritiker und Verleger Tériade, veröffentlicht.

Skulpturen, Plastiken, Objekte

Schriften

Zur Zeit der surrealistischen Phase Giacomettis erschienen in Heft 5 des Magazins Le Surréalisme au service de la révolution des Jahres 1933 Gedichte Giacomettis, wie Poème en 7 espaces (Gedicht in sieben Lücken), Der braune Vorhang (Le rideaux brun), der Text Versengtes Gras (Charbon d’herbe) sowie in Heft 6 ein surrealistisch verfasster Text über seine Kindheit, Hier, sables mouvants (Gestern, Flugsand). Zusammengefasst wurden diese und weitere Texte in dem Buch Alberto Giacometti. Ecrits aus dem Jahr 1990, herausgegeben von Michel Leiris und Jacques Dupin (dt. Gestern, Flugsand. Schriften). Die Briefe, Gedichte, Essays, Stellungnahmen und Interviews entstanden zwischen 1931 und 1965. In dem Essay mit dem Titel Meine Wirklichkeit schreibt Giacometti, dass er mit seiner Kunst überleben und «so frei und so wuchtig wie möglich» sein wolle, um seinen «eigenen Kampf zu führen, aus Spaß?, aus Freude? am Kampf, aus Spaß am Gewinnen und Verlieren». Diese Selbstdarstellung zeigt die existenzialphilosophische Anlehnung an Jean-Paul Sartre und Jean Genet.

Der Verleger Albert Skira veröffentlichte 1946 in der letzten Ausgabe seines Magazins Labyrinthe den von Giacometti im selben Jahr verfassten autobiografischen Text Le rêve, le sphinx et la mort de T. (Der Traum, die Sphinx und der Tod von T.). Der kunstvoll assoziativ erzählte Text behandelt die eiternde Krankheit Giacomettis, die er sich beim letzten Besuch des Bordells Le Sphinx zugezogen hatte, bevor es endgültig geschlossen wurde, die darauf folgende Reaktion Annettes und Giacomettis Albtraum von der Leiche Tonio Pototschings, des im Juli 1946 verstorbenen Hausverwalters des Atelierkomplexes in der rue Hippolyte-Maindron. Im Mittelpunkt des Traums steht eine riesige Spinne mit elfenbeingelbem Panzer. Erst im Jahr 2002 fand das Manuskript, ein Notizheft mit dem Text, ergänzt durch Zeichnungen, den Weg in die Alberto Giacometti-Stiftung in Zürich. Der Text enthält zwei Teile: Nach der Schilderung des Entstehungszusammenhangs und der Erzählung selbst reflektiert Giacometti über das Problem des Schreibens. Das Buch wurde als Faksimile mit neuer Übersetzung im Jahr 2005 erneut veröffentlicht.

Kunstmarkt und Fälschungen

Das Œuvre Giacomettis erzielt auf dem Kunstmarkt hohe Preise. In einer Auktion vom Februar 2010 erreichte L’Homme qui marche I einen Rekordpreis. In einer Auktion bei Christie’s in New York im Mai 2015 wurde er noch übertroffen. Die bislang teuerste Skulptur ist nun sein Werk L’Homme au doigt, das für rund 141 Millionen Dollar im Mai 2015 den Besitzer wechselte, etwa 35 Millionen Dollar mehr als L’Homme qui marche I. Daher sind Kunstfälschungen von Giacometti-Skulpturen lukrativ. Im August 2009 wurden 1000 Fälschungen, die bei Mainz entdeckt worden waren, von der Polizei beschlagnahmt. Giacometti hat Fälschern die Arbeit insofern erleichtert, als er häufig dasselbe Werk gleichzeitig bei verschiedenen Giessern ausführen liess. Er bearbeitete die Güsse nicht selbst, sondern überliess das Ziselieren und Patinieren entsprechend den Wünschen der Käufer den Handwerkern, sodass die Werke stets unterschiedlich ausfielen. Einen weiteren Spielraum für Fälscher bietet das Fehlen eines verbindlichen Werkverzeichnisses, dessen Erstellung bei den beiden Giacometti-Stiftungen in Paris und Zürich noch in Arbeit ist mit dem Ziel, Güsse zu Lebzeiten, Nachgüsse und Fälschungen, die schon bald nach Giacomettis Tod im Jahr 1966 auftauchten, auseinanderzuhalten.

Zeitgenössische Darstellungen

Der französische Schriftsteller Michel Leiris, ein Freund Giacomettis aus dessen surrealistischer Zeit, veröffentlichte in der von Georges Bataille gemeinsam mit Leiris und Carl Einstein gegründeten surrealistischen Zeitschrift Documents in der 4. Ausgabe vom 29. September 1929 den ersten Text mit Werkfotos über das bildhauerische Werk des Künstlers. Er schrieb: «Es gibt Augenblicke, die man Krisen nennt, und diese sind die einzigen, die im Leben zählen. Solche Momente widerfahren uns, wenn etwas Äußerliches urplötzlich unserem inneren Rufen danach antwortet, wenn sich die äußere Welt so öffnet, daß sich zwischen ihr und unserem Herzen eine plötzliche Veränderung ergibt. […] Giacomettis Skulpturen bedeuten mir etwas, weil alles, was unter seiner Hand entsteht, wie die Versteinerung einer solchen Krise ist.» Leiris erkannte früh, welch schöpferischer Ansporn für Giacometti von dem immer wiederkehrenden Gefühl einer Krise ausgehen sollte.

Der Fotograf Henri Cartier-Bresson, selbst vom Surrealismus beeinflusst, freundete sich in den 1930er Jahren mit Giacometti an und begleitete ihn während dreier Jahrzehnte mit dem Fotoapparat. Die bekanntesten Aufnahmen stammen aus den Jahren 1938 und 1961. Cartier-Bresson über Giacometti: «Es war eine Freude für mich, als ich feststellte, dass Alberto dieselben drei Leidenschaften wie ich hatte: Cézanne, Van Eyck und Uccello.» Im Jahr 2005 zeigte das Kunsthaus Zürich die Ausstellung Die Entscheidung des Auges, die Cartier-Bresson noch selbst mit konzipiert hatte. Mit den bis dahin teilweise noch nie gezeigten Fotografien sollten insbesondere die Parallelen im Werk der Künstlerfreunde aufgezeigt werden, das sowohl bei Giacometti wie bei Cartier-Bresson von der beständigen Suche nach dem instant décisif, dem entscheidenden Augenblick, geprägt war.

Jean-Paul Sartre schilderte Giacometti 1947 in seinen Essays zur bildenden Kunst, Die Suche nach dem Absoluten, als faszinierenden Gesprächspartner und als Bildhauer mit einem festen «Endziel, das es zu erreichen gilt, ein einziges Problem, das gelöst werden muß: wie kann man aus Stein einen Menschen machen, ohne ihn zu versteinern?» Solange dies nicht gelöst sei, durch den Bildhauer oder die Bildhauerkunst, «solange gibt es lediglich Entwürfe, die Giacometti nur insofern interessieren, als sie ihn seinem Ziel näherbringen. Er zerstört sie alle wieder und fängt noch einmal von vorne an. Manchmal gelingt es allerdings seinen Freunden, eine Büste oder die Plastik einer jungen Frau oder eines Jünglings vor dem Untergang zu bewahren. Er läßt es geschehen und macht sich aufs neue an die Arbeit. […] Die wunderbare Einheit dieses Lebens liegt in der Unbeirrbarkeit bei der Suche nach dem Absoluten.»

Jean Genet beschrieb Giacometti und sein Werk in dem Essay aus dem Jahr 1957, L’Atelier d’Alberto Giacometti, im Gegensatz zu Sartres intellektuellen Thesen über den gemeinsamen Freund aus dem Gefühl heraus. «Seine Statuen machen mir den Eindruck, daß sie sich letztlich in ich weiß nicht welche geheimliche Gebrechlichkeit flüchten, die ihnen Einsamkeit gewährt. […] Da im Augenblick die Statuen sehr hoch sind – in braunem Ton – wandern seine Finger, wenn er vor ihnen steht, auf und ab wie die eines Gärtners, der ein Rosenspalier schneidet oder pfröpft. Die Finger spielen an der Statue entlang, und das ganze Atelier vibriert, lebt.»

Aktuelle Wahrnehmung

Der Kunsthistoriker Werner Schmalenbach verglich die Darstellung der Einsamkeit des Menschen in Giacomettis Gemälden mit Francis Bacons Werk. Wie Giacometti formuliere dieser «in einer räumlichen Szenerie das ‚Ausgesetztsein‘, das In-die-Weltgeworfensein des Menschen». Giacometti suggeriere dies durch die starre Frontalität und die Verlorenheit des Blicks, während Bacon die totale Verrenkung der Glieder und die Todesgrimasse des Gesichts darstelle.

Anlässlich des 100. Geburtstages Giacomettis im Jahr 2001 äusserte sich der Sammler, Kunsthändler und Freund Eberhard W. Kornfeld, dass er in der Wiederbelebung der figurativen Zeichnung Giacomettis einen wesentlichen Beitrag zur Kunst der Moderne sehe. «Seine Kunst ist aber auch Ausdruck seiner Zeit – was Sartre für die Literatur war, war Giacometti in der Kunst: Er ist der Maler des Existenzialismus.»

Den Einfluss altägyptischer Kunst auf Giacomettis Werk machte eine Ausstellung im Ägyptischen Museum Berlin, Giacometti, der Ägypter geltend. Sie wurde ab Ende 2008 anhand von Werkbeispielen in Berlin und ab Februar 2009 im Kunsthaus Zürich gezeigt. Der ägyptischen Skulptur war Giacometti bereits in Florenz während seines ersten Aufenthalts in Italien in den Jahren 1920/21 begegnet. Er schrieb der Familie: «die schönste Statue für ihn sei weder eine griechische noch eine römische und noch weniger eine aus der Renaissance, sondern eine ägyptische». Der berühmte Porträtkopf von Echnaton (1340 v. Chr.) ähnelt dem Selbstporträt Giacomettis von 1921. Mit diesem Selbstbildnis beendete er die Ausbildung bei seinem Vater. Die Pariser Jahre mit der Annäherung an die Avantgarde und die Suche nach einer Stilisierung der menschlichen Form sind zusammengefasst in der Konfrontation zwischen den Bronzewerken Giacomettis wie Cube (1933/34), die als Anlehnung an ägyptische Würfelfiguren gesehen werden können, und der Würfelstatue des Senemut (1470 v. Chr.) in Granit, von der er um 1937 eine Bleistiftzeichnung anfertigte. Die Arbeiten der Nachkriegszeit orientieren sich ebenfalls an ägyptischen Werken. Der Rückgriff auf ägyptische Kniefiguren erfolgte in den Skulpturen Diego assis (Diego sitzend) und Lotar III, seiner letzten Skulptur.

Der Kunstkritiker Dirk Schwarze, ein Kenner der documenta-Ausstellungen seit 1972, formulierte in seinem Buch Meilensteine: Die documenta 1 bis 12 aus dem Jahr 2007, Giacometti habe «sich mit seinen in die Länge gezogenen, dünnen Figuren in die Kunstgeschichte eingeschrieben». Den Bildhauer habe nicht das Volumen und auch nicht die Ausformung der einzelnen Partien interessiert. Die Figur habe er auf ihre entfernte Erscheinung, auf ihre Haltung und Bewegung reduziert. Die Figuren seien zu Zeichen des Menschen geworden, die überall verstanden werden – so wie später A. R. Penck in seinen Bildern die Menschen als zeichenhafte Elemente gemalt habe.

Anlässlich einer Giacometti-Ausstellung der Fondation Beyeler 2009 in Riehen bei Basel zeigte deren Kurator Ulf Küster den Künstler mit seinen Werken als zentrale Figur im Umfeld der Werke seiner Künstlerfamilie. Der Austausch mit der Familie war für Alberto von grosser Bedeutung. Einen besonderen Bezugspunkt bildete für ihn der Vater, der Maler Giovanni Giacometti. Küster sagte unter anderem in einem Interview, Giacometti habe die Vorstellung gehabt, Zentrum eines Systems zu sein, so wie er es in seinem spätsurrealistischen Text Le rêve, le Sphinx et la mort de T. geschildert habe, ein Mittelpunkt, auf den sich alle Ereignisse um ihn herum bezogen hätten. Küster hält dies für einen wichtigen Schlüssel zum Verständnis seines Werks. Er weist darauf hin, dass Giacometti den Schritt in die Abstraktion nie vollzogen habe, jedoch seine Serienbildungen, das «Nie-enden-Wollen und -Können durchaus der konzeptuellen Grundidee der Moderne» entsprochen habe. Alberto sei von der Malerei zur Bildhauerei gekommen. Eine malerische Technik seien beispielsweise die aufgerauten Oberflächen der späten Plastiken. Im Katalog zur Ausstellung weist Ulf Küster in seinem Beitrag auf die Schwierigkeiten hin, eine Giacometti-Ausstellung zu konzipieren. Bei den vielen Facetten seines Werkes sei nur eine Annäherung möglich, ein Grund dafür sei auch Giacomettis künstlerisches Prinzip der nie zu erreichenden Vollendung. Obgleich sich bisher zahlreiche Ausstellungen mit Giacometti befasst hätten, bewertete Küster Albertos Nachlass dennoch als nicht abschliessend ausgewertet.

Giacomettis künstlerischer Einfluss

In Giacomettis surrealistischer Periode in den Jahren 1930 bis 1934 stand der Künstler mit seinen Objekten und Skulpturen das erste Mal im Rampenlicht der Surrealistenbewegung. Mit seinem Werk aus dieser Zeit beeinflusste er beispielsweise Max Ernst und den jungen Henry Moore. Ab 1948 waren es die Skulpturen und Gemälde seines reifen Stils, die Zeitgenossen und Künstlerkollegen beeindruckten. Die zahlreichen Giacometti-Ausstellungen, die auch heute weltweit stattfinden, zeugen von dem hohen künstlerischen Anspruch, den er mit seinem Werk erfüllt hat.

Im Musée des Beaux Arts de Caen wurde vom Mai bis August 2008 die Ausstellung En perspective, Giacometti gezeigt. Als Initiator steuerte die Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris, etwa 30 Leihgaben von Giacomettis Skulpturen, Objekten, Zeichnungen und Gemälden bei. Sie wurden in Beziehung gesetzt zu Werken von Künstlern der Gegenwart: Georg Baselitz, Jean-Pierre Bertrand, Louise Bourgeois, Fischli & Weiss, Antony Gormley, Donald Judd, Alain Kirili, Jannis Kounellis, Annette Messager, Dennis Oppenheim, Gabriel Orozco, Javier Pérez, Sarkis, Emmanuel Saulnier und Joel Shapiro.

Würdigungen

Der deutsche Bildhauer Lothar Fischer hatte Giacometti 1962 anlässlich der Biennale in Venedig persönlich kennengelernt. Er schätzte dessen Auffassung von Figur und Raum sowie von Gestalt und Sockel und widmete seinem Vorbild 1987/88 zwei plastische Werke mit dem Titel «Hommage à Giacometti».

Im Jahr 1996 fand die Uraufführung der Kammeroper Giacometti der rumänischen Komponistin Carmen Maria Cârneci am Neuen Theater für Musik in Bonn unter ihrer Leitung statt.

Die Banknotenserie der Schweiz zeigte seit Oktober 1998 bis September 2019 auf der 100-Franken-Banknote eine Gestaltung zu Ehren Alberto Giacomettis; auf der Vorderseite erscheint ein Porträt des Künstlers von Ernst Scheidegger, und auf der Rückseite ist neben zwei weiteren Werken seine Plastik L’Homme qui marche I in vier verschiedenen Perspektiven abgebildet.

Zum 50. Todestag des Künstlers im Jahr 2016 beteiligt sich das Centro Giacometti an der Organisation des Gedenkprogrammes im Bergell, das von der Gemeinde Bregaglia koordiniert wird. Es präsentiert ausserdem die Vision Centro Giacometti 2020.

Filme über Giacometti und sein Werk

Der 52-minütige Schwarzweissfilm von Jean-Marie Drot Ein Mensch unter Menschen aus dem Jahr 1963 zeigt Giacometti im Filminterview. Jean-Marie Drot ist es seinerzeit als Erstem gelungen, den Künstler filmen zu dürfen. Der Film beschreibt ihn als einen Bohémien und Perfektionisten und zeigt mehr als 180 seiner Werke.
Unter dem Titel Was ist ein Kopf? produzierte Michel Van Zèle im Jahr 2000 einen dokumentarischen Filmessay über die Frage, die Giacometti zeit seines Lebens beschäftigte. Van Zele rekonstruiert Giacomettis lebenslange Suche nach dem Wesen des menschlichen Kopfes und lässt Zeitzeugen aus Vergangenheit und Gegenwart zu Wort kommen, darunter Balthus und Giacomettis Biografen Jacques Dupin. Die Laufzeit beträgt 64 Minuten.
Beide Filme sind seit 2006 auf einer DVD zusammengefasst.

Im Jahr 1965 drehte der Fotograf Ernst Scheidegger, der seit 1943 Werke des Künstlers aufnahm, in Stampa und Paris den Film Alberto Giacometti. Er zeigt den Künstler bei der Arbeit an einem Gemälde Jacques Dupins und im Gespräch mit dem Dichter während des Modellierens einer Büste. Der Film wurde später noch durch Interviews ergänzt.

In der vom WDR produzierten Fernsehserie 1000 Meisterwerke, die von 1981 bis 1994 in 10-minütigen Sendungen über meisterliche Gemälde im Deutschen Fernsehen, im ORF und im Bayerischen Fernsehen berichtete, war Giacometti mit dem Porträt Jean Genet aus dem Jahr 1955 beteiligt.

Heinz Bütler drehte 2001 einen Dokumentarfilm mit dem Titel Alberto Giacometti – Die Augen am Horizont. Er beruht auf dem Buch Écrits von Giacometti. In Interviews mit Weggefährten und Zeitzeugen wie Balthus, Ernst Beyeler und Werner Spies wird der Künstler in knapp einer Stunde skizzenhaft beschrieben. In weiteren 25 Minuten erzählt der Giacometti-Biograf James Lord aus dem Leben des Künstlers. Der Streifen wurde 2007 als Kinofilm gezeigt und ist als DVD erhältlich.

Final Portrait ist der Titel der Filmbiografie von Stanley Tucci über den Künstler, die am 11. Februar 2017 bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin seine Weltpremiere feierte und im August 2017 in die deutschen Kinos kam.

Skulpturen und Objekte

Die Skulpturen entstanden hauptsächlich aus Gips, viele wurden in den 1950er-Jahren in Bronze gegossen. Das Jahr des Bronzegusses war nicht in allen Fällen herauszufinden.

• 1925: Torse (Torso), Gips, 58 × 25 × 24 cm, Kunsthaus Zürich, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1926: Femme cuillère (Löffelfrau), Bronze, gegossen 1954, 143,8 × 51,4 × 21,6 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York.
• 1927: Le Couple (Das Paar), Bronze, gegossen 1955, 59,6 × 38 × 17,5 cm, Museum of Modern Art, New York.
• 1930/31: Boule suspendue (Schwebende Kugel), Gips und Metall, 60,6 × 35,6 × 36,1 cm, Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris.
• 1931: Homme, femme, enfant (Mann, Frau, Kind), Holz, Metall, 441,5 × 37 × 16 cm, Kunstmuseum Basel.
• 1931: Pointe à l’œil (Stachel ins Auge), Holz und schwarz bemaltes Eisen, 12,7 × 58,5 × 29,5 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris.
• 1932: Femme égorgée (Frau mit durchschnittener Kehle), Bronze, gegossen 1949, 23,2 × 57 × 89 cm, Scottish National Gallery, Edinburgh.
• 1932: Main prise (Gefährdete Hand), Holz, Metall, 20 × 59,5 × 27 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1932: On ne joue plus (Das Spiel ist aus), Marmor, Holz, Bronze, 4,1 × 58 × 45,2 cm, Sammlung Patsy R. und Raymond D. Nasher, Dallas, Texas.
• 1933: La table surréaliste (Der surrealistische Tisch), Bronze, 143 × 103 × 43 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris.
• 1933/34: Le Cube (Pavillon nocturne) (Der Kubus [Nächtlicher Pavillon]), Bronze, 94 × 54 × 59 cm, Kunsthaus Zürich, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1936: Tête d’Isabel (Kopf von Isabel), auch genannt Die Ägypterin, Gips, 30,3 × 23,5 × 21,9 cm, Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris.
• 1937: Tête d’Isabel (Kopf von Isabel), Bronze, Privatbesitz.
• 1937: Grabmal Gerda Taro, Pariser Friedhof Père Lachaise (nur verändert erhalten)
• um 1940: Petit homme sur socle (Kleiner Mann auf einem Sockel), Bronze, 8,1 × 7 × 4,8 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1942/43: Femme au chariot (Frau auf dem Wagen), bemalter Gips. Figur 153,5 × 33,5 × 35, Wagen 10 × 40 × 35 cm, Lehmbruck-Museum, Duisburg. Eine Hommage an Giacomettis Freundin Isabel Nicholas.
• 1947: Femme debout («Leonie») (Stehende Frau [«Leonie»]), Höhe 53 cm, Peggy Guggenheim Collection, Venedig.
• 1947: Le nez (Die Nase), Bronze, gegossen 1965, 82 × 73 × 37 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York.
• 1947: L’Homme au doigt (Mann mit zeigend ausgestreckter Hand), Bronze, 176,5 × 90,2 × 62,2 cm, ein Abguss befindet sich in der Tate Gallery, London.
• 1947: Tête d’homme sur tige (Kopf auf einem Stab), Bronze, Höhe 59,7 cm, Sockel: 16 × 14,9 × 15,1 cm, Museum of Modern Art, New York.
• 1948–1949: La Place (Der Platz), Bronze, 21 × 62,5 × 42,8 cm, Peggy Guggenheim Collection, Venedig.
• 1950: L’Homme qui chavire (Der taumelnde Mann), 60 × 14 × 32 cm, Kunsthaus Zürich.
• 1950: Quatre figurines sur base (Vier Figuren auf einer Basis), Bronze, bemalt, 162 × 42 × 32 cm, Tate Modern, London.
• 1950: Le chariot (Der Wagen), Bronze, 167 × 62 × 70 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• um 1950: Diego, Bronze, 26,8 × 21,5 × 10,5 cm, Kunstsammlungen der Ruhr-Universität Bochum.
• 1951: Le chien (Der Hund), Bronze, 45 × 98 × 15 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1952: Figurine sur grand socle (Figur auf großem Sockel), Bronze, 38,5 × 9 × 20,5 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich. Ein Beispiel für den Einfluss altägyptischer Kunst auf Giacometti.
• 1954: Grande tête de Diego (Großer Kopf Diego), Bronze, 65 × 39 × 22 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1956: Les Femmes de Venise (Die Frauen von Venedig), Figurengruppe von 9 Fassungen I–IX, Bronze, 1,05 bis 1,56 cm, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel.
• 1958: La jambe (Das Bein), Exemplar 2/6, Bronze (zwei Teile), mit Gold patiniert, 145 × 46,5 × 26,3 cm, Lehmbruck-Museum, Duisburg.
• 1960: L’Homme qui marche I (Der schreitende Mann I), Exemplar 2/6, Bronze, gegossen 1961, 183 × 95,5 × 26 cm. Abb. Geplante Chase-Manhattan-Plaza-Gruppe insgesamt.
• 1960: L’Homme qui marche II (Der schreitende Mann II), Bronze, gegossen 1961, 187 cm hoch, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel.
• 1961: Buste de Caroline, Bronze, 48 cm hoch, Privatbesitz
• 1961: Buste de Isaku Yanaihara (Büste von Isaku Yanaihara), Bronze, 43 cm hoch, Privatbesitz
• 1962: Annette IV, Bronze, gegossen 1965, 57,8 × 23,6 × 21,8 cm, Tate Gallery. London.
• 1964: Diego assis (Diego sitzend), Bronze, 58,5 × 19,7 × 32,5 cm, Alberto Giacometti-Stiftung, Zürich.
• 1965: Buste d’homme (Diego) New York I (Büste eines Mannes [Diego] New York I), Exemplar 4/8, Bronze, 55 × 29 × 14 cm, Privatbesitz, Schweiz.
• 1965: Eli Lotar III, Bronze, 65 × 25 × 35 cm, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel.

Zeichnungen und Gemälde

• 1915: La mère de l’artiste (Die Mutter des Künstlers), Bleistift auf weissem Papier, 17 × 17 cm, Sammlung Lefebvre-Foinet, Paris (1971). Abb.
• 1921: Autoritratto Alberto Giacometti (Selbstbildnis Alberto Giacometti), Öl auf Leinwand, 82,5 × 70 cm, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel.
• 1937: La mère de l’artiste (Die Mutter des Künstlers), Öl auf Leinwand, 65 × 50 cm, Privatbesitz.
• 1937: Pomme sur le buffet (Apfel auf dem Buffet), Öl auf Leinwand, 71,8 × 74,9 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Abb.
• 1946: Portrait de Jean-Paul Sartre (Porträt von Jean-Paul Sartre), Bleistift auf weissem Papier, 30 × 22,5 cm, Privatbesitz.
• 1947: Stehende Figur – Kopf en face – Stehende Figur, Bleistift in zweierlei Härtegraden, zum Teil gewischt, auf elfenbeinfarbenen Karton, 50 × 64,5 cm, Staatsgalerie Stuttgart.
• 1949: Homme assis (Sitzender Mann), ein Gemälde, das Diego darstellt. Öl auf Leinwand, 80 × 54 cm, Tate Gallery, London. Abb.
• 1951: Triptyque (Triptychon), Lithografiekreide auf chamoisfarbenem Papier, 38,5 × 28 cm, Sammlung Galerie Claude Bernard, Paris (1971).
• 1955: Figure assise dans l’atelier (Sitzende Figur im Atelier), Öl auf Leinwand, 92 × 71 cm Kunstmuseum Winterthur, Winterthur.
• 1955: Portrait de Jean Genet (Porträt von Jean Genet), Öl auf Leinwand, 73 × 60 cm, Centre Georges-Pompidou, Paris.
• 1957: Portrait de Igor Stravinsky (Porträt von Igor Stravinsky), Bleistift auf weissem Papier, 40,3 × 30,5 cm, Sammlung Robert D. Graff, Far Hills, New Jersey (1971).
• 1958: Portrait d’Annette (Porträt von Annette), Öl auf Leinwand, 65 × 54 cm, Sammlung Batliner, Albertina, Wien.
• 1958: Portrait de Soshana (Porträt von Soshana), Bleistift auf Papier, 50,8 × 33 cm, Privatbesitz. Abb.
• 1961: Caroline, Öl auf Leinwand, 100 × 81 cm, Fondation Beyeler, Riehen bei Basel.
• 1962: Grand Nu (Grosser Akt), Öl auf Leinwand, 174,5 × 69,5 cm, Fondation Beyeler, Zürich.

Radierungen und Lithografien

• 1951/52: Buste dans l’atelier (Büste im Atelier), Kreidelithografie, 50 × 65,5 cm, Auflage 30, Kunstmuseum Basel
• 1953/54: Annette dans l’atelier (Annette im Atelier), Kreidelithografie, 53,4 × 43,6 cm, Auflage 30, Kunstmuseum Basel
• 1954: Les deux tabourets (Die zwei Schemel), Radierung, 26,2 × 20,8 cm, Auflage 50, Kunstmuseum Basel
• 1957: L’homme qui marche (Der schreitende Mann), Lithografie, 76,5 × 57 cm, Auflage 200, Kunstmuseum Basel
• 1960: Buste II (Büste II), Lithografie, 65 × 50 cm, Auflage 150, Kunstmuseum Basel
• 1964: Portrait de Rimbaud (Porträt von Rimbaud), Radierung, 29,9 × 24,8 cm, Auflage 97, Kunstmuseum Basel

Illustrierte Schriften, Briefwechsel

• 1946: Le rêve, le sphinx et la mort de T. Labyrinthe, Nr. 22–23, Dezember, Paris; dt. Der Traum, die Sphinx und der Tod von T. Herausgegeben und übersetzt von Donat Rütimann. Scheidegger & Spiess, Zürich 2005, ISBN 978-3-85881-170-7
• 1969: Paris sans fin, 150 Lithografien, postum veröffentlicht bei Tériade, Paris; Neuausgabe Buchet-Chastel, Paris 2003, ISBN 978-2-283-01994-8 Abb.
• 1990: Alberto Giacometti. Écrits. Hrsg. von Michel Leiris und Jacques Dupin. Neuausgabe Hermann, Paris 2007, ISBN 978-2-7056-6703-0; dt.: Gestern, Flugsand. Schriften, Neuausgabe Scheidegger & Spiess, Zürich 2006, ISBN 978-3-85881-178-3
• 2007: Alberto Giacometti, Isabel Nicholas, Correspondances. Herausgegeben und mit einem Vorwort von Véronique Wiesinger, Fage Éditions, Lyon, ISBN 978-2-84975-121-3

Beispiele von Buchillustrationen

• 1933: René Crevel: Les Pieds dans le plat (Frontispiz) Abb.
• 1934: André Breton: L’Air de l’eau
• 1947: Georges Bataille: Histoire de rats
• 1961: Michel Leiris: Vivantes cendres, innomées
• 1962: Miguel de Cervantes: La Danse du château (Frontispiz)